|
ЕВРОПЕЙСКОЕ ИСКУССТВО XVI ВЕКА (краткий очерк для целей игры)
Перед введением
Перед тем, как начать пространный текст об искусстве, позвольте мне, уважаемый читатель, Вас поприветствовать. Ниже последует много слов о том, как оно развивалось ко временам нашей игры: какие существовали направления, школы, как возникали отдельные жанры, кто был самым знаменитым их представителем и далее, далее. Как и любой околонаучный текст, я буду писать его от третьего лица, ставя в тексте ссылки, и в конце приведу список литературы. Но пока этот текст еще не начался, позволю обратиться себе к Вам напрямую и сказать самое важное. Искусство того времени, как представляется сейчас, с высоты XXI века, подобно ярким пляшущим языкам пламени: да, пламя порой принимает различные образы и формы, но никогда не стоит на месте. То же верно и для искусства XVI века: хотя в нем и можно выделить разные течения, школы и тенденции, но на их основе постоянно возникает что-то новое, что-то индивидуальное и своеобразное, доныне не виданное. XVI век – это то время, когда один талантливый человек способен перевернуть вкусы и убеждения целой страны, а то и более. Поэтому ничто не сможет помешать Вам (да-да, именно Вам, наш уважаемый игрок) основать новое направление, раскритиковать в пух и прах старое, заложить свои основы теории искусства и зажечь сердца всех тех, кто увидит Вашу блистательную игру. Мы будем ждать Вас.
Введение
Период XV-XVI веков стал для Европы временем распространения и расцвета культуры Возрождения (Ренессанса), зародившейся в Италии в XIII веке. Возрождение, с его гуманистическим мировоззрением, интересом к человеку (антропоцентризмом), светским характером, обращением к культурному наследию античности, стало переходной эпохой от средневековья к Европе XVII-XVIII веков и Нового времени. При этом именно XVI век является одновременно и наивысшим расцветом, и завершением и угасанием Возрождения. Рассмотрим кратко те события, которые происходили в это время на родине данного движения. В Италии это эпоха Чинквеченто – Высокого Возрождения (1500-1530 годы, творчество Леонардо да Винчи, Рафаэля Санти, Микеланджело Буонарроти, Джорджоне, Тициана и др.) и Позднего Возрождения (1540 – до конца XVI века, творчество Паоло Веронезе, Якопо Тинторетто и др.). Хронологическая протяженность периода Высокого Ренессанса относительно невелика, но количество и качество созданных произведений искусства по праву позволяют называть это время кульминацией всей эпохи Возрождения. Тогда же произошли коренные сдвиги в мировосприятии людей того времени, связанные с решающими событиями мировой истории и новыми важными вехами на пути развития человеческих знаний. Если прежде страны Европы были во многом разобщенными, то к началу XVI века между ними устанавливаются более тесные и оживленные связи. Крупнейшим историческим событием общеевропейского значения явились итальянские войны, во время которых войска разных стран находились на территории Италии, что способствовало их тесному контакту с ее культурой, ранее существовавшей несколько изолированно. Научные и художественные успехи Италии становятся общим достоянием; с другой стороны, расширяется общественный кругозор самих итальянцев. Великие мастера XVI века дали пример художника нового типа — активной творческой личности, обладающей полнотой артистического самосознания и способной заставить считаться с собой сильных мира сего. Это люди огромных знаний, владеющие всей полнотой завоеваний культуры своего времени. Совокупность сложных условий данного исторического периода оказала свое воздействие на сложение основ итальянского Высокого Возрождения, на формирование образного восприятия его художников, на изобразительный строй их произведений. Стремление к синтезу, к обобщению сказывается уже в том, что в произведениях мастеров Высокого Возрождения основное место занимает собирательный образ идеально прекрасного человека, совершенного физически и духовно. Даже в образах, исполненных гармонической ясности, ощущается огромная внутренняя сила человека, спокойное сознание своей значительности. В Высоком Возрождении особенно отчетливо проявлялся ренессансный антропоцентризм. Если художники XV века уделяли окружающей человека бытовой и природной среде подчас не меньшее внимание, чем самому человеку, то в XVI веке, особенно во флорентийско-римской живописи, человеческий образ занял преобладающее положение, нередко исчерпывая собой содержание и идею произведения. Соответственно успехам художественной практики большого подъема достигла в период Высокого Возрождения художественная теория. Многие теоретики и художники этого времени были захвачены идеей исчерпывающе определить возможности каждого из видов искусства. Как и прежде, вопросы теории искусств оставались тесно связанными с гуманистическими идеями. В первых десятилетиях XVI века особое внимание в сфере гуманистической мысли уделялось проблеме совершенного человека.
Рафаэль Санти. Сикстинская Мадонна. 1515
Период, пришедший на смену Высокому Ренессансу, нес в себе ряд важных качественных отличий от предшествующего этапа. Общим настроением в Италии стали разочарование в идеалах Возрождения и гуманизма и пессимистичный взгляд на события и человеческую природу, что, в свою очередь, было связано с рядом событий внутри страны. В 1527 году Рим был захвачен и разграблен испанскими войсками, в 1530 году пала республика во Флоренции, в 1542 году была преобразована и активизирована инквизиция, а в 1545 – созван заседавший почти двадцать лет Тридентский собор (до 1563 года). В период его деятельности папы стали впервые публиковать индексы запрещенных церковью книг (1559 и 1562), изъятие которых из обращения должна была обеспечить инквизиция. Со времени Тридентского собора церковь стала пытаться активно контролировать искусство. Теперь от него стали требовать прежде всего каноничности и ортодоксальности. В истории итальянского искусства вторая половина XVI века представляет собой переходный период. Это время угасания Ренессанса и рождения новой художественной культуры. Не удивительно, что искусство этой поры сложно, в нем противоборствует много различных тенденций. С одной стороны, это линия художников Позднего Возрождения; они остро чувствовали новые стороны окружающей их жизни, но все же сохранили высокую планку идеала человека. Центром их творчества стала Венеция. Мастера Позднего Возрождения не просто следовали принципам, выработанным на протяжении предшествующего периода ренессансного искусства, но творчески претворяли их в соответствии с требованиями нового исторического этапа. Сохранив основу ренессансного мировосприятия — веру в человека, в его значительность и красоту, они смело вторглись в его духовный мир, раскрыв его во всей его сложности и подчас противоречивости. От образа отдельной личности они перешли к образу человеческого коллектива, толпы, сложного конгломерата фигур; человек – уже не просто отдельный индивид сам по себе, он связан и взаимодействует с другими людьми, со своей средой. Соответственно данным задачам они выработали новые художественные средства, новые изобразительные решения.
 Паоло Веронезе. Брак в Кане. 1562–1563
С другой стороны, в XVI веке также формируется новое течение в искусстве, которое связано с официальной идеологией и придворной культурой, и не связано с гуманистическими представлениями о Человеке, – направление маньеризма. Центром этой линии искусства в Италии стали Тоскана и Папская область. На первый план выходят безупречность художественной работы, виртуозность исполнения, желание писать красиво, подражать образцам. Это течение в искусстве проявилось в творчестве Франческо Пармиджанино, Аньоло Бронзино, Бартоломео Амманати, Джорджо Вазари, Джулио Романо и др. Мастера маньеризма культивировали представления о неустойчивости мира, шаткости человеческой судьбы, находящейся во власти иррациональных сил, стремились не столько следовать природе, сколько выражать «внутреннюю идею» образа, рожденного в душе художника. Для их образов характерны преувеличенная экспрессия поз и движений, удлиненность пропорций фигур, колористические и световые диссонансы. К 1540 годам маньеризм стал господствующим течением при дворах Италии; его художественный язык, насыщенный сложными, доступными лишь узкому кругу посвященных аллегориями, отмечен принципиальным эклектизмом выразительных средств. В скульптуре и архитектуре маньеризм проявился главным образом в тяготении к неустойчивой, динамичной композиции, подчеркнутой экспрессии декора, в стремлении к сценическим эффектам, к экстравагантности деталей.
 Пармиджанино. Мадонна с длинной шеей. 1534–1540
Обратимся же теперь от Италии к остальной Европе. С XV века, когда новая художественная школа начала распространятся за пределы Италии, в странах Европы к северу от Альп (Франция, Германия, Нидерланды) наступила пора так называемого Северного Возрождения (ок.1500 – между 1540 и 1580) . Этот термин условен, поскольку в этих странах «возрождать» было практически нечего: если в Италии искусство и культура действительно переживали возрождение традиций античности, то здесь практически не было остатков античного искусства. Вместе с тем, использование этого термина вполне оправдано, если иметь в виду общность внутренних тенденций культурного процесса: в недрах средневековой готической культуры вызревают элементы, связанные с новым виденьем мира. Связь с искусством поздней готики стала одной из главных особенностей художественной культуры этих стран. В XV-XVI веках в этих областях произошли серьезные изменения в изобразительном искусстве, связанные со становлением гуманистического ренессансного мировоззрения. Значительное влияние на искусство Северного Возрождения оказала драматическая и бурная историческая эпоха. Религиозные войны, Реформация (в Германии переросшая в Крестьянскую войну 1524 – 1526), революция в Нидерландах, события Столетней войны между Францией и Англией не могли не сказаться на характере искусства этих стран. В то же время, рост городов и развитие торговли и ремесел, а также стремительное распространение посредством нового изобретения – книгопечатания – гуманистических идей и знаний о мире, способствовали появлению и формированию человека нового типа. Этот человек, просвещенный гуманист, становится не только одним из главных заказчиков искусства, но и объектом изображения: в этот период жанр портрета переживает небывалый подъем. Торговля способствовала не только росту капитала (и как следствие – появлению крупных художественных коллекций), но и распространению новых художественных тенденций, обмену опытом (так, итальянская живопись оказала значительное влияние на мастеров Северного Возрождения). Истоки Северного Возрождения следует искать на рубеже XIV и XV веков в Бургундии, в творчестве работавших в этом центре придворно-рыцарского позднеготического искусства скульптора Клауса Слютера и живописцев братьев Лимбург. В XV веке главенствующее место среди художественных школ Северной Европы заняла нидерландская живопись, особенностью которой стал глубокий интерес к бесконечному многообразию мира, к деталям, к миру вещей, окружающих человека (произведения Яна ван Эйка, Гуго ван дер Гуса, Рогира ван дер Вейдена, Питера Брейгеля Старшего и Иеронима Босха). Именно нидерландским художникам принадлежит честь усовершенствования техники масляной живописи, которая позже распространилась по всей Европе под названием «фламандской манеры», вскоре вытеснившей темперную живопись. Жизнерадостный и изящный стиль французского Возрождения наиболее ярко проявился в живописных и карандашных портретах Жана Фуке (известен также как выдающийся мастер миниатюры), Жана и Франсуа Клуэ, Корнеля де Лиона, в классически совершенной пластике Жана Гужона, в непринужденной живописности и легкости архитектуры городских дворцов и домов, загородных замков. Своеобразное преломление черты Возрождения получили в искусстве Англии, где под влиянием работавшего в Лондоне Ганса Гольбейна младшего сформировалась национальная школа портрета (Николас Хиллиард), и Испании, художники которой (Алонсо Берругете, Диего де Силоэ, Луис де Моралес) использовали опыт итальянской и нидерландской живописи для создания собственного, сурового и выразительного стиля.
 Братья Лимбурги. Анатомия астрологическая (миниатюра из «Великолепного часослова герцога Беррийского»). XV век
Маньеризм также не ограничился лишь пределами Италии. Превращению маньеризма в общеевропейское течение способствовали деятельность итальянских мастеров во Франции (Россо Фьорентино, Никколо дель Аббате, Приматиччо, Челлини и др.), Испании (Висенте Кардучо) и других странах, а также широкое распространение маньеристических картин, гравюр, графики и предметов декоративно-прикладного искусства. Принципы маньеризма определили творчество представителей 1-й школы Фонтенбло (Жан Кузен Старший, Жан Кузен Младший и др.), ряда немецких и нидерландских мастеров. Итальянское путешествие голландского художника Мартена ван Хемскерка (1532 – 1536) еще больше усилило влияние маньеризма в Нидерландах и Северной Европе.  Россо Фьорентино. Снятие с креста. 1521
Во второй половине XVI века из Италии в Европу приходит еще одно новшество – комедия дель арте (комедия масок). Этот импровизационный уличный театр сложился в Италии к середине XVI века и, по сути, являлся первым в истории профессиональным театром. У комедии дель арте было два основных центра – Венеция и Неаполь. В соответствии с этим сложились и две группы масок. Северную (венецианскую) составляли Доктор, Панталоне, Бригелла и Арлекин; южную (неаполитанскую) – Ковьелло, Пульчинелла, Скарамучча и Тарталья. Стиль исполнения венецианской и неаполитанской комедии дель арте тоже несколько различались: венецианские маски работали преимущественно в жанре сатиры, неаполитанские использовали больше трюков, грубых шуток. Итальянские труппы довольно скоро стали широко гастролировать по Европе – Франции, Испании, Англии. Итак, рассмотрев влияние итальянской культуры на другие европейские страны, а также в самых общих чертах – тенденции развития и направления в искусстве XVI века, обратимся к конкретным странам – к Нидерландам, Франции, Испании и Англии.
Хронологию, авторов и картины можно посмотреть, перейдя по этим ссылкам:
Высокое Возрождение: http://www.artcyclopedia.com/history/high-renaissance.html Северное Возрождение: http://www.artcyclopedia.com/history/northern-renaissance.html Маньеризм: http://www.artcyclopedia.com/history/mannerism.html
Искусство Нидерландов
В XV веке большинство нидерландских земель входило в состав герцогства Бургундского. Его властитель Карл Смелый пытался создать крупную европейскую державу, соперничая с Францией, но в 1477 году погиб, и в результате брака его единственной наследницы Марии Бургундской с Максимилианом Габсбургом Нидерланды вскоре вошли в состав Священной Римской империи. При внуке Максимилиана, Карле V, Нидерланды как одна из отдельных составных частей его гигантских владений были расширены за счет присоединения к ним с севера еще шести областей. После отречения Карла V от престола страна в составе 17 провинций была унаследована в 1556 году сыном Карла, королем Испании Филиппом II. Население Нидерландов составляло тогда почти 3 миллиона человек. Плотность его была очень велика, в стране насчитывалось около 300 городов и 6500 деревень. Число жителей главного порта страны Антверпена превысило в 1550 году 100 тысяч. По уровню развития городов и их культуры Нидерланды уступали в Европе только Италии. В XV веке Нидерланды стали средоточием одного из самых ярких в Европе проявлений «осени средневековья» – пышного расцвета при бургундских герцогах аристократически утонченной, основанной на рыцарских идеалах придворной культуры, уже затронутой холодом увядания. Одновременно, однако, в сфере живописи, начиная с творчества Яна ван Эйка, развиваются новаторские тенденции ренессансного типа. Во второй половине XV – начале XVI века происходит бурное развитие нидерландской школы музыки. И лишь в начале XVI века, уже под прямым влиянием итальянского гуманизма, процессы ренессансного обновления начинают захватывать в Нидерландах, как и в соседних Германии и Франции, широкий круг явлений культуры.
Архитектура
В архитектуре Нидерландов в конце XV – первой половине XVI веков продолжало доминировать интенсивное гражданское строительство в стиле поздней готики. Города соперничали друг с другом в возведении богато украшенных зданий ратуш, цехов, гильдий; со старыми жилыми домами бюргеров соседствовали новые с такими же высокими, в несколько этажей, и узкими, обычно в три окна, фасадами, имевшими вытянутые вверх треугольные завершения. От городов других европейских стран большинство нидерландских городов отличало обилие каналов, нередко служивших основными транспортными магистралями. В особенности это относится к городам на севере страны, но некоторые важные центры юга, в частности Брюгге и Гент, также снабжены системой каналов. Особый тип общественного здания в Нидерландах представляли гильдейские и цеховые дома, в которых мы находим своеобразное сочетание элементов общественного и жилого сооружения. Эти дома служили членам городских корпораций для собраний и празднеств. В основу внешней архитектуры цехового дома положен образ бюргерского жилого дома, но с соответственным увеличением размеров и богатства архитектурных форм. Это обычно высокие – до пяти этажей – здания с узкими фасадами и очень высокой кровлей, фронтон которых включает еще один–два мансардных этажа. Также чрезвычайно важны для нидерландской архитектуры сооружения утилитарного характера — торговые ряды, здания складов, городских весов и другие постройки подобного рода.
 Цеховые дома на Гран-плас в Антверпене. XV век
Особенностью жилых домов в городах Нидерландов были очень большие оконные проемы, забранные частыми переплетами. В нидерландской жилой архитектуре были распространены три вида строительной техники. Мы встречаем здесь деревянные сооружения, затем здания, выстроенные целиком из камня или кирпича, и, наконец, постройки, выполненные в сочетании кирпича с белым камнем. Скромные интерьеры нидерландских жилых домов благодаря мастерскому использованию полезной площади и высокой по тем временам культуре быта производили впечатление большой привлекательности и уюта. В культовом зодчестве широко использовался декор «пламенеющей готики». В Генте, Брюгге, Антверпене достраивались высокие башни давно воздвигнутых готических соборов. Ренессансные новшества приносили с собой поначалу итальянцы, которые строили дворцы знати и каменные городские укрепления нового типа, затем к ним добавились французы, а преимущественно с середины века в процесс включились и местные мастера. Весьма показательно для Нидерландов, что принципы классической архитектуры Возрождения нашли свое воплощение преимущественно в светских постройках – дворцах и ратушах. При этом вплоть до XVII века позднеготические типы зданий живописно украшались на фасадах ренессансным, а позже и маньеристическим декором. Характерными памятниками сочетания старого и нового стали здание гильдии рыботорговцев (Дом Лосося) в Мехелене (1530 годы), возведенная Корнелисом Флорисом ратуша в Антверпене (1560 годы), бывшая капелла, перестроенная в огромное здание городских весов в Алкмаре в Голландии, с башней, завершенной в самом конце века.
 Корнелис Флорис (де Вриендт). Ратуша в Антверпене. 1560–1564. Центральная часть фасада
Живопись
Живопись стала в Нидерландах единственной, кроме музыки, сферой культуры, которая дала в эпоху Возрождения памятники не только национального, но и мирового значения. Ее развитие шло своеобразными путями. В XV веке, начиная с творчества Яна ван Эйка, она опережала живопись всех стран Европы, кроме Италии; в XVI веке, отличаясь необыкновенным разнообразием, обилием мастеров разных местных центров, общим высоким художественным уровнем, она выдвинула лишь одного великого художника – Брейгеля, но зато подготовила почву для нового блистательного расцвета искусства во Фландрии и Голландии XVII века. Особенностями живописи XVI века было ее развитие во многих художественных центрах, в том числе и на севере страны, формирование различных светских жанров, особенно портрета, пейзажа, бытовой картины, появление все более четких по своей специфике внутрижанровых градаций – индивидуального, группового, парадного портретов, ночных, морских, зимних пейзажей. В это же время резкое количественное возрастание художественной продукции привело к ее проникновению на широкий рынок.
 Ян ван Эйк. Портрет четы Арнольфини. 1434
На рубеже XV и XVI веков Иероним Босх (до 1460 – 1516) связал воплощение по-ренессансному многообразных и острых впечатлений от современного быта, типов людей, мира природы с мрачной и горькой фантастикой, демоническими образами кишащей повсюду нечистой силы. Это воскрешение и резкое сгущение средневековых фольклорных представлений Босх осуществлял, широко используя гротесковые монтажи живого и механического, ужасающего и комического в образах, которые напоминали бредовые видения. Свой пессимистический взгляд на человека Босх выразил в динамичных композициях, имевших одной из главных целей моральное назидание зрителей.
 Иероним Босх. Воз сена (триптих). 1500–1502. Центральная часть
 Иероним Босх. Сад земных наслаждений (триптих). 1500–1510. Центральная часть
В XVI веке расширение культурных связей с Италией способствовало распространению в Нидерландах эклектического течения «романизма», стремившегося соединить нидерландские традиции с опытом итальянского (особенно римского) Ренессанса, а затем и маньеризма. Он оказал воздействие на творчество антверпенского мастера алтарей и портретов Квентина Массейса (1465 – 1530), на крупнейшего северонидерландского художника XVI века Луку Лейденского (1494 – 1533), одного из создателей бытового жанра в живописи и гравюре, но характернейшим выразителем особенностей этого течения впервые стал Ян Госсарт (ок. 1480 – ок. 1536). Романизм, прошедший через весь XVI века, содействовал существенному усилению светских тенденций в искусстве. Он обогатил нидерландскую живопись образами античной мифологии, аллегориями, интересом к обнаженной натуре, новыми решениями композиций, знаниями перспективы и анатомии. Родился новый тип художника – гуманистически образованного, увлеченного различными отраслями знания. Вместе с тем романизм привел к такой степени интернационализации искусства и равнения на образцы, когда утрачивалась национальная самобытность живописи, а высокая виртуозность оттесняла собственно творческое начало и делала искусство холодным. Развитие романизма, поддержанного придворно-аристократическими вкусами, оказало значительное влияние на декоративное искусство, особенно на создание шпалер, которыми славились Нидерланды. В шпалерах появились мифологические, батальные, охотничьи сюжеты, которые изображались с правильным построением перспективы, использованием объемных фигур.
 Квентин Массейс. Уродливая герцогиня. Ок. 1513
 Квентин Массейс. Меняла с женой. Ок. 1514
 Лука Лейденский. Автопортрет
1530 – 1540 годы – это время широкого распространения бытового жанра. Бытовые тенденции принимают форму либо крупнофигурного жанра, либо мелкофигурной картины, либо проявляются косвенно, определяя особый характер портрета и религиозной живописи. Крупнофигурный жанр был распространен в Антверпене. Главные его представители – Ян Сандерс ван Хемессен (ок. 1500 – 1575) и Маринус ван Реймерсвелле (ок. 1493 – 1567) – в сущности, размыли границу между бытовой и религиозной картиной. Для обоих характерна гротескность, утрированность реальных наблюдений.
 Ян Сандерс ван Хемессен. Извлечение камней глупости. 1545–1550
Еще отчетливее бытовые тенденции проявились в портрете, причем портрете голландском. В работах амстердамских живописцев Дирка Якобса (ок. 1497 – 1567) и Корнелиса Тейниссена (работал с 1533 до 1561 годы) индивидуальный образ осмыслен уже в его повседневной реальности. Они избирают обычную позу, придают портретируемому естественный жест и, что особенно важно, делают значительный шаг к более определенному пониманию духовного абриса конкретной личности.
 Дирк Якобс. Портрет членов стрелковой гильдии. Ок. 1529
 Дирк Якобс. Портрет Помпеуса Окко. 1531
Начиная с 1540 годов в нидерландском искусстве начинают проявляться черты, связанные с кризисом ренессансного мировоззрения. Своеобразное отражение специфики нидерландской живописи тех лет мы находим в портрете. Его отличает смешение и половинчатость различных тенденций. С одной стороны, он определяется развитием голландского группового портрета. Однако, хотя композиционное расположение фигур стало свободнее, а образы моделей – более живыми, эти работы далеко не достигают жанровости и жизненной непосредственности, характерных для произведений такого рода, исполненных позже, в 1580 годы. Вместе с тем они уже теряют простодушный пафос, свойственный 1530 годам. Так, двойственно искусство наиболее талантливого портретиста того времени Антониса Мора (Ван Дасхорста): он мастер острых психологических решений, но в них присутствуют элементы маньеризма, он крупнейший представитель парадного, придворного портрета, но дает резкую социально окрашенную характеристику своим моделям.
 Антонис Мор. Портрет герцогини Маргариты Пармской. Ок. 1562
Наиболее полным выражением специфики, но и кризиса нидерландского Возрождения стало опиравшееся на многообразные национальные традиции и фольклор творчество Питера Брейгеля Старшего (ок. 1525 – 1569). Широко образованный, хорошо знакомый также и с итальянской живописью, он за любовь к народной тематике был прозван «Мужицким». В отличие от Италии, где искусство Ренессанса, как и гуманизма, ставило в центр внимания образ человека, Возрождение в Нидерландах и искусство Брейгеля расставляло акценты по-другому: их интересовал мир и человек, находящийся в нем как частица мироздания, величественного бытия природы. У Брейгеля, на закате Возрождения, это мироощущение окрашивалось в тона горечи и неверия в былые гуманистические идеалы всесилия человека, в прямую полемику с ними. За этим стояла трагедия века, атмосфера, рожденная растущим подавлением индивида механизмами государственных режимов и воинствующих Церквей. В своих картинах и рисунках для гравюр Брейгель не раз обращался к нидерландским пословицам. Они позволяли ему развернуть изображение сцен с множеством мелких фигур в образы-притчи о современности и извечно повторяющихся качествах рода людского, о дурацком, безумном, тупом и ленивом мире. Он видел, однако, и другие грани бытия. В картинах «Крестьянский танец» и «Крестьянская свадьба» он любовался грубоватым, полным стихийной мощи народным весельем, в цикле картин «Времена года» с поразительной силой раскрыл поэзию бескрайних просторов природы, от жизни которой неотделимы ритмы жизни людей.
 Питер Брейгель Старший. Битва Карнавала и Поста. 1559
Литература
В эпоху Возрождения литература в Нидерландах, как и в других странах Западной Европы, развивалась по двум языковым руслам: на латыни, где главная творческая роль принадлежала гуманистам, и на общем для страны национальном языке письменности, который сложился преимущественно на основе диалекта Брабанта. Основная часть литературы на нидерландском языке создавалась редерейкерами – риторами, членами устроенных на цеховой лад объединений любителей театра и литературы. Такие кружки создавались в городах еще в средние века для постановок религиозных драм-мистерий, превращавшихся в многодневные зрелища с массой участников, и для организации других религиозных и официальных празднеств. В XVI веке общества были широко распространены уже не только на юге страны, где они зародились, но и на севере, причем именно в этом столетии их общее число увеличилось втрое по сравнению с XV веком и достигло максимума — почти тысячи. По традиции внутри кружков и между ними устраивались поэтические состязания и диспуты на заданные темы, причем крупнейшими были соревнования целых провинций и между провинциями. Главные достижения редерейкеров в конце XV – XVI веке оказались связаны с драматургией – с мистериями, клухтами (нидерландским фарсом) и зиннеспелами (от «зин» – чувство, мысль, «спел» – игра). В XVI веке содержание зиннеспела все более демократизируется, а его структура приближается к ренессансной драме. В поэзии редерейкеров, которая делилась на три типа – благочестивую, любовную и потешную, назидательные задачи улучшения нравов неизменно окрашивали любые виды их творчества. В 1555 году был издан труд церковного нотариуса, редерейкера Маттейса де Кастелейна «Искусство риторики», в котором автор дал свод знаний о вековом опыте литературы риторов и с патриотических позиций обосновывал достоинства родной речи. Гуманистическая поэзия XVI в. обогатила литературу новыми мифологическими образами, новыми формами и мотивами. Особенно выделяются в ней Иоанн Секунд, автор сборника «Поцелуи» (1535), и Ян ван дер Нот. Секунд в латинских стихах удачно разработал тему, излюбленную еще Катуллом, и дал пример целой литературе о поцелуях, которая вскоре возникла и в других европейских странах. Ян ван дер Нот писал на нидерландском языке. Он испытал сильное влияние итальянской и особенно французской ренессансной поэзии, перерабатывал по-своему стихи Петрарки и Дю Белле. Борьба за независимость Нидерландов вызвала к жизни бурную активизацию религиозно окрашенного песенного творчества масс. Особой популярностью пользовались «песни гёзов», полные патриотического воодушевления, мотивов мести врагам, патетического прославления героев борьбы за свободу. Многочисленны были также переработки на песенный лад псалмов, переведенных на родной язык («песни на псалмы»). Говоря о литературе Нидерландов нельзя не упомянуть Эразма Роттердамского (псевдоним Герта Гертсена, 1466 или 1469 – 1536), хотя его слава не ограничивалась пределами одной страны, а значимость его произведений – лишь художественной ценностью. Эразм писал на латыни и был одним из лучших мастеров новолатинской прозы в эпоху Возрождения. Исключительно велико его значение в развитии немецкого гуманизма. Важное место в творчестве Эразма занимают размышления о гуманистических радостях достойной человека «доброй жизни», о «золотом веке» человечества («Похвала Глупости», «Домашние беседы», «Воспитание христианского князя», «Язык, или Об употреблении языка на благо и во вред»). Его возмущают суетность церковнослужителей и невежество мирян, религиозная нетерпимость, сословное высокомерие и феодальные распри. В 1517 году Эразм впервые осуществил издание греческого текста Нового Завета с учеными комментариями и его нового латинского перевода, который внес многие уточнения в канонический перевод, т. е. Вульгату. Совершенно особое место занимает Эразм в истории германского гуманизма также и по тому небывало почетному и влиятельному положению в обществе, какое — впервые в европейской истории — получил в его лице человек науки и литературы. «От Англии до Италии — говорит один современник Эразма, — и от Польши до Венгрии гремела его слава». Могущественнейшие государи тогдашней Европы, папы, кардиналы, прелаты, государственные люди и самые известные учёные считали за честь находиться с ним в переписке. Во время поездок Эразма некоторые города устраивали ему торжественные встречи, как государю. Его называли «оракулом Европы», к нему обращались за советами не только люди науки – по различным научным и философским вопросам, но и государственные люди, даже государи – по различным вопросам политическим. Как гуманист, Эразм являлся выдающимся носителем того научного духа, духа исследования и точного знания, который составляет одну из наиболее существенных черт в характеристике гуманизма вообще.
Произведения указанных авторов можно почитать, перейдя по этим ссылкам:
Иоанн Секунд «Поцелуи»: http://www.renesans.ru/poema/13.shtml Философские произведения Эразма Роттердамского: http://lib.ru/FILOSOF/ERAZM/ Стихотворения Эразма Роттердамского: http://www.renesans.ru/poema/12.shtml
Музыка
С середины XV века в европейской профессиональной музыке ведущее место прочно заняла нидерландская школа полифонии. Ее истоки были интернациональны: она впитала достижения англичанина Джона Данстейбла (ум. 1453), французской, а позже и итальянской музыкальной культуры. Разносторонне разработав мастерство многоголосия, нидерландские композиторы сформировали его «строгий стиль», развитие которого увенчало готику и вместе с тем привело к становлению музыки уже иного, ренессансного типа. Воздействие школы сохранялось на протяжении всего XVI века. Нидерландцы работали почти в 70 городах Европы, повсюду разнося свой богатейший опыт. Способствовало их влиянию и появление новой отрасли печатного дела — выпуска нотных изданий. Новые тенденции были связаны прежде всего не со светской музыкой (в XVI веке она еще не определяла главные вершины музыкальной культуры), а с внутренней перестройкой церковной музыки. Более ощутимо выступили и особенности авторской индивидуальности — в предпочтениях определенных текстов и жанров, в излюбленном характере звучания. Само возрастание роли личности композитора свидетельствовало о влиянии общей атмосферы ренессансного времени. Нидерландская школа выдвинула за короткий срок ряд крупных талантов: ведущего мастера первого поколения Гийома Дюфаи (1400 – 1474), руководившего музыкальной деятельностью собора в бургундском городе Камбре; ценителя готических традиций, ставшего, однако, мелодистом в полифонии Иоаханнеса Окегема (1425 – 1497) – он сорок лет служил в придворной капелле французского короля; композитора Якоба Обрехта (1450 – 1505), который совершенствовал гармоническое многоголосие. Кульминации своего развития школа достигла в творчестве Жоскена Депре (1440 – 1521), создавшего, по утверждению современников, «совершенное искусство». В пору позднего Возрождения развернулось творчество еще одного великого композитора — уроженца Нидерландов, который подвел своеобразный итог предшествующему полифонизму (и не только нидерландскому). Это был Орландо ди Лассо (1532 – 1594). Он стал классиком «строгого стиля» и вместе с тем новатором, сумевшим дать музыке яркую индивидуальную окраску. Лассо обращался к текстам античных поэтов и Евангелия, Петрарки и Ариосто, Ронсара и Ганса Сакса. Диапазон его творчества простирался от шуточных песен и любовных идиллий до скорбных образов «Покаянных псалмов» и цикла мотетов «Пророчества сивилл». Светские вокальные жанры развивались в его музыке наряду с сочинениями на темы страстей Христовых. Современники прозвали Лассо «Бельгийским Орфеем» и «Князем музыки».
 Ханс Мюлих. Орландо ди Лассо дирижирует камерным хором. Ок. 1550
К концу XVI века развитие музыки в Нидерландах и других европейских странах как бы раздваивается: с одной стороны, усилилось тяготение к синтетическим жанрам, выражающим драматический мир переживаний человека (этот путь привел к созданию в Италии «драмы на музыку» – оперы), с другой стороны, постепенно уравнивалось значение вокала и инструментальной музыки. В вокале росла роль сольного пения, а инструментальная музыка, обретая собственные специфические средства выразительности, обособлялась от слова. Начался расцвет искусства органистов. В бытовом музицировании в Нидерландах на протяжении XVI века самым любимым инструментом оставалась лютня. К концу столетия растет масса сочинений для этого инструмента. Через весь век прошла традиция использования небольших групп городских музыкантов на свадьбах, карнавалах и других праздниках, во время религиозных и официальных церемоний. В Антверпене они играли по праздничным вечерам, расположившись на одном из ярусов соборной башни, для гулявших по площади горожан.
Музыку Нидерландов можно послушать или скачать, перейдя по этим ссылкам:
Лютневая музыка XVI – XVII веков: http://www.bee.fm/tracks/322653/ Орландо ди Лассо «Psalmi Davidis»: http://www.intoclassics.net/news/2008-10-23-1766 Скачать их же: http://narod.ru/disk/3353486000/LassoDav.rar.html (пароль на архив: lassus) Подробная статья о развитии европейской полифонии на французском языке (есть большое количество аудио примеров): http://le.lutin.kikourou.net/billet.php?idbillet=24
Искусство Франции
Предренессансные тенденции в культуре Франции отмечаются на рубеже XIV – XV веков. Авиньонское пленение пап обеспечило Франции широкие контакты с итальянской культурой. Пребывание Петрарки во Франции способствовало утверждению культа античной и итальянской культуры. Центром распространения новых идей стал Наваррский коллеж. В литературе элементы рационализма ярко проявились в «Романе о Розе», ставшем предметом культа первых французских гуманистов, а спор вокруг романа в начале XV века превратился в общественную полемику о новых путях развития культуры. Во Франции Ренессанс имел внутренние стимулы и корни, но Италия ускорила процесс создания новой культуры, и Франция прошла все этапы ее развития всего за сто лет, с конца XV до конца XVI века. Первый этап продлился с 1470 до 1520 годов. В это время Париж становится одним из центров гуманизма в Европе. Распространение книгопечатания, гуманистического образования и новых идей происходит через создание локальных гуманистических сообществ, близких к итальянским академиям. Итальянские походы (1494 – 1559) открыли Франции внешнее великолепие итальянской культуры. Двор и аристократия Франции охотно перенимали этот наружный лоск, создав моду на все итальянское: начался вывоз из Италии произведений искусства, приглашение ученых, мастеров и художников, среди них Бенвенуто Челлини и Леонардо да Винчи. Французы едут учиться в Италию, а итальянцы приспосабливают свои знания к национальной традиции Франции. Время с 1520 и до конца 1550 годов – период высшего расцвета ренессансной культуры во Франции. Создается свой стиль в искусстве (школа Фонтенбло), строятся замки и городские дворцы, развивается новая система образования, появляется ренессансная литература, наука, философия, парижский диалект становится нормой французского языка. Вместе с тем это время первых шагов Реформации, сопровождавшейся переводом Библии на французский язык, критикой церкви, борьбой за освобождение культуры от монополии авторитетов. С 1562 года начался новый этап французского Ренессанса. Конфессиональная полемика расколола гуманистов, усиление национализма погребло идею интернациональной «республики ученых». В позднем Ренессансе было меньше иллюзий и больше реализма в понимании действительности. Но он породил яркую политическую мысль, философию и историческую науку. И сохранил главное – признание человека высшей ценностью в мире, но уже без мечты о его всемогуществе, о гармонии личности и общества.
Архитектура
Решающим шагом в освоении новых форм в архитектуре Франции, где долго держались давние национальные традиции готики, стало влияние итальянских походов французских королей в конце XV – первых десятилетиях XVI века. Основной проблемой в архитектуре французского Ренессанса стало создание ансамбля дворца и города. Особую роль стала играть проблема планировки города в связи с созданием фортификационных сооружений, продиктованным потребностями эпохи. Об идеальном городе и сооружениях мечтал Рабле, описывая Телемское аббатство. В то же время средневековый тип города с узкими хаотично расположенными улочками сменяется типом нового города с прямыми улицами, с определенным планом. Уже Франциск I издал указ, чтобы застройщики придерживались определенных правил, чтобы улицы были «красивы, широки и прямы». Приглашенные в страну итальянские мастера и внимательно изучавшие античное наследие крупнейшие французские архитекторы XVI века создали ряд выдающихся сооружений. Этому способствовали переводы трудов по архитектуре Витрувия и итальянских ренессансных теоретиков, распространение гравюр с изображением памятников зодчества и появление французских трактатов об архитектуре, отвечающей новым вкусам. Первые проявления Ренессанса в архитектуре связаны с постройками короля Франциска I – от возведения во дворце Блуа на реке Луаре нового крыла с богато декорированной наружной лестницей, закрученной спиралью, до строительства огромного великолепного охотничьего замка Шамбор с его сотнями помещений. Готические традиции сочетались здесь с приметами ренессансного зодчества. При нем по всей Франции развернулось обширное строительство, которое осуществляли как приглашенные из Италии, так и местные архитекторы. Оживилась строительная деятельность в Париже.
 Жак Сурдо, Дени Сурдо, ПьерНево и др. Замок Шамбор. 1519–1540. Северный фасад
Во вторую половину своего царствования Франциск I перенес центр строительной деятельности ближе к Парнасу, в Иль де Франс. Последнее предпринятое королем строительство, кардинальная перестройка с 1528 года замка Фонтенбло, загородной резиденции королей, находящейся в 60 км к югу от Парижа, имело исключительное значение для последующего развития французского искусства. Впоследствии замок перестраивался неоднократно разными мастерами при разных королях вплоть до XIX века. Но основные его части были возведены при Франциске I французским мастером Жилем Лебретоном. Это так называемый Овальный двор, окруженный апартаментами короля (среди них зал, названный позднее галереей Генриха II), прямоугольный в плане двор Белой лошади, в центре которого позднее была поставлена конная статуя, и соединяющая оба двора галерея Франциска I. Франциск I повелел разместить здесь свою богатейшую библиотеку, копии античной скульптуры, коллекции произведении итальянских авторов, в том числе Рафаэля и Леонардо, который в последние годы жизни работал во Франции. Особое внимание было обращено на отделку внутренних помещений, производившуюся под руководством итальянских мастеров – Россо и Приматиччо. Главной работой Россо стало оформление протянувшейся на 58 метров галереи Франциска I. Художник украсил ее фресками, декоративными скульптурными рельефами и фигурами, резными настенными панелями с богатой орнаментацией, резным деревянным потолком. Приматиччо, руководивший работами в Фонтенбло после кончины Россо, еще больше усилил ту изощренную роскошь обстановки и элегантную холодную грацию изображений, которыми отличались художественные ансамбли Россо.
Жиль Лебретон. Замок Фонтенбло. Двор Белой лошади. 1530–1540
 Россо. Замок Фонтенбло. Галерея Франциска I. 1533–1540
К середине XVI века французское Возрождение дало в архитектуре уже свои зрелые плоды. Одним из самых значительных памятников той эпохи стало здание нового королевского дворца в Париже – Лувра, ансамбли которого, применяя античную ордерную систему, создали французы – архитектор Пьер Леско и скульптор Жан Гужон.
 Пьер Леско и Жан Гужон. Лувр. Западный фасад. Начат с 1546
Видное место среди архитекторов зрелого французского Ренессанса принадлежит Филиберу Делорму. Автор первого оригинального французского трактата по архитектуре, Делорм изучал памятники античности и ренессансной итальянской архитектуры в Риме. Известным французским теоретиком и архитектором был Жан Бюллан, также побывавший в Италии и написавший трактат о пяти архитектурных ордерах. Последним из плеяды выдающихся французских зодчих XVI века был Жак Андруэ Дюсерсо. Теоретик по преимуществу, он оставил кроме архитектурных трактатов большое количество неосуществленных проектов и архитектурных фантазий. В направлении, указанном придворными архитекторами, работали провинциальные мастера, которые постепенно овладевали классическими формами. Образовались провинциальные школы, отличавшиеся местными особенностями: дижонская, возглавленная Гюгом Шамбеном, тулузская, во главе которой стоял Никола Башелье. Большинство архитекторов этих школ принадлежало к корпорациям или семьям, в которых сохранились свои традиции, чем объясняется разнообразие местных стилей и архитектурных школ различных областей Франции. В церковное зодчество новые классические формы проникали медленнее. В течение всего XVI века продолжали воздвигаться готические соборы и церкви.
Ссылки:
Виртуальная экскурсия по замку Фонтенбло: Двор Белой Лошади: http://www.musee-chateau-fontainebleau.fr/homes/home_id20392_u1l2.htm Общий вид: http://www.musee-chateau-fontainebleau.fr/homes/home_id20392_u1l2.htm
Скульптура
Французская скульптура достигла в XVI веке большого развития. Несмотря на то, что во Францию по приглашению королей и знати приезжало много итальянских скульпторов, самые выдающиеся скульптурные произведения французского Возрождения были созданы французскими ваятелями. Наряду с продолжавшей развиваться декоративной скульптурой и надгробными памятниками получили распространение произведения круглой станковой пластики – статуи и портретные бюсты. В скульптуре XVI века наиболее крупными достижениями было отмечено творчество Жана Гужона и Жермена Пилона. Истинный представитель эпохи Возрождения, Гужон был разносторонне одаренным человеком. Блестящий декоратор и архитектор, рисовальщик и гравер, он иллюстрировал первый перевод на французский язык трактата Витрувия (1547), изучал произведения античных мастеров и художников итальянского Возрождения. Но, конечно, главные его достижения относятся к области скульптуры. Произведения Гужона воспевал Ронсар, а самого его современники сравнивали с Фидием, в руках которого «мрамор начинает оживать».  Жан Гужон. Оплакивание Христа. Рельеф для алтарной преграды церкви Сен Жермен Локсеруа в Париже. 1544–1545
Вместе со строителем Лувра Пьером Леско Гужон стал автором «Фонтана невинных» (или «Фонтана нимф»), поставленного в конце 1540 годов на старом кладбище в Париже и украшенного на античный лад рельефами нимф, тритонов и наяд. Это одно из самых прекрасных творений эпохи Возрождения во Франции. В пять узких, высоких мраморных плит вписаны гибкие, словно танцующие фигуры нимф в разных поворотах, с кувшинами, то приподнятыми, то опущенными. Легкие складки одежд струятся по грациозным удлиненным телам, ниспадая прихотливыми извивами. Общие музыкальные ритмы движений связывают воедино весь рельеф, напоминающий и высшие создания французской готики, и выразительность орнаментов маньеризма, и естественную красоту древнегреческой пластики.
 Жан Гужон. Нимфы. Рельефы Фонтана Невинных в Париже. 1547–1549
В области станковой пластики выделяется творчество младшего современника Гужона – выдающегося скульптора Франции XVI века Жермена Пилона. Ранние работы Пилона близки светлым, жизнерадостным работам Гужона, но со временем в его творчестве, относящемся уже к поре позднего Возрождения, нарастают драматические ноты.  Жермен Пилон. Три добродетели (скульптурная группа для урны с сердцем Генриха II). 1563
Живопись
Начало Возрождения во французском искусстве связано с серединой XV века, с творчеством Жана Фуке. Крупнейший художник столетия, он работал по заказам королей Франции и их окружения до конца 1470 годов. Используя опыт местных позднеготических художественных школ, в которых усилился интерес к изучению натуры, опираясь на ряд достижений нового искусства Италии и Нидерландов, Фуке утвердил во французской живописи специфику портрета и стал реформатором книжной миниатюры. В станковых произведениях он создал выразительные портретные образы Карла VII, его казначея, канцлера и других современников, а в иллюстрациях к «Часослову Этьена Шевалье» и сочинениям Боккаччо и Иосифа Флавия, в миниатюрах «Больших французских хроник» сумел запечатлеть необычайное богатство жизненных наблюдений, какого не знали его предшественники. Многолюдные сцены битв, деяний святых, торжественных процессий сочетались у Фуке с изображением конкретных пейзажей в долине Луары и нередко достоверных архитектурных видов Парижа и других городов. Это был последний расцвет нарядной, многокрасочной книжной миниатюры: уже к концу первой трети XVI века под натиском бурно развивавшегося книгопечатания и успехов тиражируемой гравюры художественное украшение рукописей пришло в упадок.
 Жан Фуке. Похороны Этьена Шевалье (миниатюра из «Часослова Этьена Шевалье»). 1452–1460
В живописи первой половины XVI века, особенно в росписях дворцовых интерьеров, довольно заметное место занимало творчество приглашенных из Италии мастеров Джованни Баттиста Россо, Франческо Приматиччо и Никколо дель Аббате, украшавших росписями королевскую резиденцию в Фонтенбло. Столкнувшись с французской культурой, итальянские мастера в значительной степени сами испытали ее воздействие. Произведения, созданные во Франции, значительно отличаются от их работ итальянского периода более жизнеутверждающим характером, отсутствием каких бы то ни было элементов мистики. Тематика их искусства, связанная с античностью, свободный характер исполнения, изящество и уверенность линейного рисунка, передающего сложность поз, движений, ракурсов, грация чуть манерных фигур в живописи и особенно в виртуозных рисунках нашли известный круг последователей среди французских художников, составивших направление так называемой школы Фонтенбло. Школа Фонтенбло стала одним из главных центров распространения маньеризма не только во Франции, но и в других странах Европы. Искусство мастеров этой школы было проникнуто аристократическим духом и тяготело к итальянскому маньеризму: фигуры на полотнах вытянуты, сюжеты отдалены от реальности, исполнение отличалось декоративностью, а сюжеты не отвечали бурным событиям, происходящим в стране.
Мастер школы Фонтенбло. Диана-охотница
В изобразительном искусстве Франции интерес к неповторимой личности человека с особой силой проявился в портрете, живописном и карандашном, где сказались не столько итальянские маньеристические влияния, сколько развитие французскими художниками нидерландских традиций. Выдающимися мастерами острых, объективных характеристик своих моделей были Жан Клуэ, автор лучшего живописного портрета Франциска I и десятков графических работ, его сын Франсуа Клуэ, придворный художник преемников Франциска, братья Дюмустье и создатель тонких одухотворенных образов Корнель де Лион.
Пьер Дюмустье Старший. Портрет Этьена Дюмустье
Светский дух глубоко проник и в религиозную живопись. Так, заказчик часто изображался в образе святого или рядом с ним. Своеобразие французского портрета XVI столетия заключается в беспримерном до того времени распространении карандашных портретов, игравших не только роль современной фотографии, но отличавшихся острым артистизмом исполнения, живой непосредственностью чувства человеческого характера. Часто это были быстрые наброски, призванные передать человека таким, какой он есть – вне придворного блеска и показного благочестия. Эти портреты показывали гостям, дарили друзьям и бережно хранили. Одним из виднейших мастеров французского портрета, как живописного, так и карандашного, был Жан Клуэ Младший (ок. 1485/86 – 1541). Искусство Жана Клуэ, и в особенности его рисунки, были своего рода образцами, которым следовали многие художники и ученики мастера. Среди них самым талантливым был его сын Франсуа Клуэ, чей талант воспевали поэты Плеяды: Ронсар посвятил ему «Элегию к Жане», называя его «честью нашей Франции». Франсуа Клуэ сделал блестящую карьеру, заняв после смерти отца место придворного художника, добившись благосостояния и славы.
Жан Клуэ Младший. Портрет графа д'Этан. Ок. 1519
Франсуа Клуэ не только впитал традиции портретной живописи Жана Клуэ – он воспринял и прочно усвоил достижения итальянских мастеров, работавших во Франции, но при этом сохранил свое лицо, национальный характер. Карандашные портреты Франсуа Клуэ принадлежат к числу шедевров французского искусства XVI века. Расцвет карандашного портрета Франсуа Клуэ приходится на 1550 – 1560 годы, когда один за другим он создает такие шедевры, как портреты Франциска II в детстве, Марии Стюарт, Генриха II, Гаспара Колиньи, маленькой Маргариты Валуа.
 Франсуа Клуэ. Генрих Наваррский и Маргарита Валуа. 1572
Высокого уровня развития портрет достигает не только в Париже, но и в ряде провинциальных центров, и в частности в Лионе. Здесь жил и работал другой выдающийся мастер французского портрета, Корнель де Лион.  Корнель де Лион. Портрет Генриха II. Ок. 1536
В середине и во второй половине XVI века работали многочисленные мастера реалистического карандашного портрета: Жан Декур, Бенджамен Фулон, Франс Поурбюс, а также замечательные рисовальщики, работавшие по заказам провинциального дворянства, чьи имена даже не фигурируют на их творениях и которые известны как анонимы: Мастер 1550 года, Мастер I. D. С., неизвестный художник, пока условно называемый как Аноним Лекюрье, Мастер Люксембург-Мартиг и многие другие. Несколько мастеров карандашного и живописного портрета принадлежат семейству Дюмустье; наиболее значительные из них – Пьер и Этьен. Оба художника работали не только в Париже, но и в Вене.
 Мастер I. D. С. Портрет Габриэль д'Эстре. Ок. 1597
Декоративно-прикладное искусство
Наряду с развитием архитектуры, живописи и скульптуры в XV – XVI веках значительных успехов достигают самые различные отрасли декоративного искусства, в котором подчас работали наиболее выдающиеся французские художники того времени. В Париже, Аррасе, в Фонтенбло и других городах развивались мануфактуры, изготовлявшие шпалеры (тканые ковры из цветной шерсти разных оттенков) со сложными многофигурными композициями, включенными в богатую узорчатую кайму обрамления. Таков цикл из шести прекрасных шпалер конца XV века, получивший название «Дама с единорогом». Пять из них, как считается, представляют аллегории пяти чувств, шестую принято называть «À mon seule désir» («Мое единственное желание»).
 Аллегория слуха (часть гобелена «Дама с единорогом»). Начало XVI века
 Аллегория вкуса. Фрагмент. То же
 Аллегория осязания. Фрагмент. То же
Высокого совершенства достигла живопись по стеклу, а также искусство изготовления эмалей, возникшее на юге Франции, в Лиможе, еще в XII веке. Создается множество изделий светского назначения: чаши, кувшины, тарелки, кубки, вазы и т. д. Иногда по поверхности этих предметов стелются сложные композиции на религиозные, мифологические, аллегорические сюжеты, разнообразные узоры геометрического орнамента, выдержанного в насыщенно синих, зеленых, коричневых тонах. Среди художников-эмальеров наибольшую известность получил Леонар Лимузен, создатель ряда миниатюрных портретов, медальонов и т. п. Исключительным своеобразием характеризуются созданные в XVI веке изделия из фаянса. Важнейшее место в области фаянсового производства этого времени занимают изделия Бернара Палисси. Простой гончар, он добился замечательных результатов в самых различных областях науки и художественной промышленности. Это был настоящий деятель эпохи Возрождения, жадно стремившийся к знанию; он занимался геологией, физикой, химией, агрономией, садоводством и изложил результаты своих исследований в ряде научных трудов. После пятнадцатилетних исканий Палисси создал фаянс, названный им «сельской глиной». Из этого фаянса он изготовлял большие блюда, тарелки, чашки, массивные и тяжеловесные по формам. В декорировке их сказался интерес мастера к жизни природы: они почти сплошь покрыты рельефными изображениями ящериц, змей, раков, улиток, бабочек, листьев, раковин, выполненными с натуры и расположенными на синем или коричневом фоне. 
 Бернар Палисси. Фаянсы
Ссылки:
Символизм шпалер «Дама с единорогом»: http://dama-may.livejournal.com/83913.html
Литература
Французская литература эпохи Ренессанса выросла из средневековой традиции, особенно из литературы XIV – XV веков. Вместе с тем, влияние Италии начало сказываться уже в середине XV века, главным образом в прозе. Пример тому – «Сто новых новелл» (1456 – 1467), впервые соединившие популярный во Франции жанр фаблио с ренессансными идеями «Декамерона» Боккаччо. Новелла стала ведущим жанром французской ренессансной литературы. Возрождение во Франции должно рассматриваться на фоне усиливавшихся культурных контактов с Италией. Первые греки, преподававшие во Франции, попали туда через итальянские земли. Из Италии же вскоре прибыли во Францию завербованные там военачальники, политики, банкиры, богословы и правоведы, филологи, наконец, писатели. Все они были в той или иной степени носителями новой, ренессансной культуры. Бурный рост эллинизма (первая греческая книга была напечатана во Франции в 1507 году Франсуа Тиссаром) происходил в условиях того универсального интереса к филологическим знаниям, когда даже точные науки изучались в связи с посвященными им античными текстами. Основателями первой парижской типографии (1470) были профессора Сорбонны Жан де Ла Пьер и Гийом Фише; в их типографии печатались в основном латинские авторы, как древние (Цицерон, Саллюстий, Валерий Максим), так и новые (Гаспарино Барцицца, Лоренцо Валла). Французские гуманисты конца XV века либо были издателями, либо имели к издательскому делу прямое касательство, группируясь вокруг того или иного типографа, и их называют иногда «поколением книгопечатников». В недрах этого гуманизма зародилось движение, которое вскоре вылилось в Реформацию и повлияло на судьбы страны. Движение евангелистов было на первых порах чисто филологическим, ограничиваясь сопоставлением древнегреческих и древнееврейских текстов Писания и составлением лингвистических комментариев к ним. Но уже первый крупный французский евангелист — Лефевр д’Этапль сделал отсюда необходимые философские и политические выводы. Как ученый-латинист начинал свой творческий путь Жан Кальвин, напечатавший комментированное издание трактата «О милосердии» Сенеки (1532). Первые ростки литературы Возрождения обозначились в поэзии. 1520 – 1530 годы – время расцвета неолатинской поэзии, когда в подражание античным образцам писались стихи на латыни. Один из центров этой поэзии находился в Лионе, где сформировался кружок поэтов, соединивших в своих стихах античную форму с гуманистическим пафосом. Излюбленными темами их лирики были радости любви, размышления о жизни, природа. В эти же годы прославилась поэтическая школа так называемых «великих риторов», считавших поэзию родом красноречия. Они внесли вклад в область отделки стиха, в работу над стилем через игру слов, каламбур, аллитерации. Считая форму независимой от содержания, они расширили внутренние ресурсы поэтического языка, открыв звуковую его организацию. Самый талантливый из них – Жан Лемер де Бельж (1473 – 1525) считается последним ритором и первым ренессансным поэтом. Популяризируя Петрарку, выступая за взаимообогащение французской и итальянской культур, он внес в поэзию светский дух, жизнелюбие, стремление к художественному совершенству. Окончательный разрыв с риторикой совершил Клеман Маро (1496 – 1544). Новатор в литературе, он обогатил поэзию новыми идеями и формами, сделал ее выразительницей ренессансного мироощущения. Видный гуманист, Маро был противником религиозного фанатизма, боролся за свободу совести и достоинство личности. Маро состоял на службе у Маргариты Наваррской, где сблизился с реформационным движением, а с 1526 года он был назначен придворным поэтом. Однако в это же время начинаются гонения на протестантов, и Маро попадает в тюрьму. После заключения и изгнания он посвятил последние годы жизни борьбе с мракобесием церкви. С 1538 года он переводит псалмы Давида, которым суждена была самая долгая жизнь, ибо они стали боевой песней гугенотов. Наследие Маро огромно и разнообразно: и светские придворные миниатюры, и любовная лирика, и послания в духе античности, и сатира. Он оказал огромное влияние на поэзию не только XVI, но и XVII – XVIII веков. Идейное обогащение поэзии связано в этот период с влиянием неоплатонизма, воспринятого у Марсилино Фичино и распространенного во Франции благодаря творчеству Маргариты Наваррской – музы и защитницы французских гуманистов – и лионской школы поэтов. Имя Маргариты Наваррской известно в связи с расцветом жанра новеллы в 1530 – 1540 годы. Созданный ею «Гептамерон», восходящий по замыслу к «Декамерону», имел большой успех у публики. Она достоверно и проницательно описала нравы высшего общества своего времени, отобразив новые черты жизни, живые характеры, отстаивая в то же время гуманистический идеал человеческой личности. Главный сюжет книги – любовные истории, но любовь трактуется в духе неоплатонизма, как путь к совершенству и приобщению к божеству. Здесь мистическая, духовная любовь окрашивается уже в трагические тона, чем предвосхищаются в литературе темы позднего Возрождения. Влияние Маргариты Наваррской сказалось также на творчестве самого загадочного писателя эпохи – Бонавентюра Деперье (1510 – 1544). Он хорошо разбирался в гуманистических и в евангелических идеях, которые нашли отражение в его творчестве. В 1538 году в Париже Деперье издал свою книгу «Кимвал мира», выдав ее за перевод с латыни. Написанная в подражание Лукиану, она полна намеков и иносказаний, не разгаданных до сих пор. Посмертно вышли его «Новые забавы и веселые разговоры», где анекдоты, юмор, веселье, широкая панорама Франции воплотили жизнерадостное свободомыслие Деперье, нашедшее продолжение в скептицизме Монтеня. Центральной фигурой не только французской литературы XVI века, но и французского Ренессанса в целом является Франсуа Рабле (1483 – 1553). Органичная связь французского Возрождения со средневековой традицией нашла достойное воплощение в творчестве Рабле, где как бы подведены итоги средневековой культуры, чья смеховая традиция соединилась в романе с гуманистическими идеалами. Знаменитый роман Рабле «Гаргантюа и Пантагрюэль» столь насыщен идейно и стилистически, что ему невозможно дать однозначную характеристику. Сам автор считал свою книгу лекарством от всех болезней, ибо она лечит дух человека. Профессия врача привнесла в художественные приемы и мироощущение автора явную специфику (Рабле открыл в европейской традиции тип писателя-врача). Современники подозревали его в атеизме, потомки нередко обвиняют в цинизме, но смех Рабле, в итоге, созидателен, ведь он излечивает от узости взглядов, фанатизма и учит терпимости, уважению к правам человеческой личности. Книга Рабле проникнута оптимизмом, ощущением, что настала новая эра царства разума и знаний, верой в неограниченные возможности человека. Самым значительным событием в истории французской литературы стало создание поэтами школы в середине XVI века. В 1548 году в доме ученого Лазаря де Баифа в Париже сошлись молодые поэты — Пьер де Ронсар и Жоашен дю Белле. Они задумали совершить переворот в поэзии и назвали свою группу Плеядой (в память об эллинской группе семи поэтов), пригласив требуемое число поэтов. С годами состав группы менялся, но все участники служили главной задаче Плеяды – созданию национальной поэтической школы. Теория их была основана на идее, что язык – это искусство, а поэзия – его высшая форма. Следовательно, поэты создают язык народа, совершенствуют его и развивают, и лучший способ для этого – подражание, прежде всего, античным образцам, которые не затмевают, а стимулируют национальную поэзию. Плеяде удалось утвердить новое представление о природе поэтического творчества, основанного на сочетании кропотливого труда и божественного вдохновения. Поэтому поэт не должен писать по заказу или из-под палки, настаивали они. Плеяда провозглашала высокое назначение поэта-творца, чей труд сравним по значимости с трудом ученого и военного. Он даже выше их, ибо поэт ближе к Богу, знает тайны природы и мироздания. Он не зависит ни от кого, а от его слов зависит многое. Плеяда оказала влияние на поэзию не только Франции, но и других стран Европы, и нередко их время называют эпохой Плеяды или временем Ронсара, который был сразу и безоговорочно признан «принцем поэтов». Настало время подведения итогов развития культуры эпохи Ренессанса, и о них задумываются также прозаики, создавая обобщающие синтетические произведения, особенно в жанре мемуаров, пытаясь осмыслить историю страны и свое место в ней. На этом этапе в литературе Франции лидирует гугенотская литература, особенно поэзия, которой и суждено было выразить кризис ренессансной культуры конца XVI века. Этому способствовала природа мироощущения гугенота, изначально трагичная и контрастная. Художественным выражением этого мироощущения и духовной атмосферы конца эпохи Возрождения является творчество Теодора Агриппы д' Обинье. Трагизм и величие позднего Возрождения во Франции олицетворяет творчество Мишеля де Монтеня (1533 – 1592). Он сумел спасти и обобщить лучшие гуманистические идеалы, сохранившиеся после всех споров, исканий и поражений XVI века. Написанные им «Опыты» создали новый литературный жанр – эссе (по-французски так звучит слово «опыт»), и вся последующая литературно-философская эссеистика обязана своим появлением именно ему.
Произведения указанных авторов можно почитать, перейдя по этим ссылкам:
Жан Кальвин «О христианской жизни»: http://www.vehi.net/kalvin/ Клеман Маро (несколько эпиграмм): http://belayakisa.livejournal.com/84492.html, http://moshkow.cherepovets.ru/cgi-bin/html-KOI.pl/ANEKDOTY/epigramsXVII.txt Маргарита Наваррская «Гептамерон»: http://www.russianplanet.ru/filolog/evropa/france/renaissance/marguerite.htm Франсуа Рабле «Гаргантюа и Пантагрюэль»: http://www.krotov.info/history/16/rable1.html Луиза Лабе (стихотворения): http://www.renesans.ru/poema/09.shtml Жоашен дю Белле (стихотворения): http://www.renesans.ru/poema/07.shtml Пьер де Ронсар (стихотворения): http://www.renesans.ru/poema/08.shtml Теодор Агриппа д’Обинье (стихотворения): http://www.renesans.ru/poema/10.shtml Мишель де Монтень (различные произведения): http://lib.ru/FILOSOF/MONTEN/
Музыка
Подъем музыкального искусства в эпоху Ренессанса обязан тому значению, которое придавалось этой области культуры. Разделенные в XIV веке, музыка и поэзия начинают сближаться в XV веке благодаря расцвету песни при дворе герцогов Бургундских, ставшем одним из европейских музыкальных центров. Сложившаяся здесь франко-фламандская школа полифонистов повлияла на искусство Италии, Англии, Германии, обогатив и вокальный язык, и инструментальную музыку. Первый в мире типографский сборник песен, изданный в Италии в 1501 году, состоял из творений этой школы. Издание песенных сборников способствовало резкому подъему песенного жанра. Первым издателем произведений французских музыкантов был парижский печатник Пьер Агеньян: с 1529 по 1549 годы им было издано около ста песенных сборников. Лучшие песни, в основном на лирический и любовный сюжет, писал Клеман Жанекен (1485 – 1558). Самые известные его творения – песни «Война» (или «Битва при Мариньяно») и «Песня птиц» – принесли ему европейскую славу и последователей. Расцвет мадригала в середине XVI века оказал влияние на все жанры музыки, но главное – он способствовал возрождению французской песни (шансон), чье развитие прервала Столетняя война (1337—1453). Песни постепенно сливались с мадригалом, а теоретиками этого движения были поэты Плеяды, считавшие стихи и музыку неразлучными. Суть переворота, совершенного Плеядой в области музыки, заключалась в подчинении музыки стихам, в убеждении, что в стихах уже заключена мелодия, которую композитор должен только услышать. Музыка должна обрамлять стихи, подчеркивая их смысл и красоту, считали они. Так, по словам Ронсара, «два аккорда инструмента» сопровождали стихи лучших поэтов, став увлечением эпохи. Глубокий смысл стихов и видимая простота мелодии стали с тех пор неотъемлемой частью французской песни.  Песенник Жана де Моншеню (содержит произведения Йоханнеса Окегема и Гийома Дюфаи). Ок. 1475
Под влиянием реформационных идей расцвет коснулся и культовой музыки. Новая религия нуждалась в песнях для пропаганды и разъяснения своей доктрины, музыка призвана была также объединять верующих, укреплять веру. Для подключения верующих к пению во время службы надо было упростить музыку и зарифмовать псалмы. Кальвин осуществил эту задачу с помощью поэта Клемана Маро, успевшего сделать стихотворный перевод 50 псалмов, а остальные завершил Теодор де Без. Сначала эти псалмы пелись на мелодии популярных песен, но вскоре композитор-гугенот Клод Гудимель написал к ним музыку. Творение получилось столь совершенным, что даже Сорбонна не нашла в нем противоречий с католическим обрядом, и эти псалмы пели также католики. Дух музыки XVI века наиболее полно и ярко воплотился в музыкальных конкурсах, ставших регулярными праздниками во многих городах Франции. В них религиозная музыка уживалась со светской, и когда в главной церкви города исполнялись оба победивших произведения – культовое и светское, музыка творила свое извечное чудо, объединяя, возвышая и одухотворяя людей.
Музыку Франции можно послушать или скачать, перейдя по этим ссылкам:
Клеман Жанекен: http://www.xprt.net/~vox/Music/Janequin.html http://www.choralwiki.net/wiki/index.php/Cl%C3%A9ment_Janequin Его же «Ce moys de May»: http://www.cipoo.net/downloads/mp3/CeMoysDeMay.mp3 Клод Гудимель: http://www.choralwiki.net/wiki/index.php/Claude_Goudimel
|
